Las 10 mejores canciones de 2013 (I)

Como ya es costumbre (porque lo hicimos el año pasado y ya está) en Rockrítico, es el momento de echar la vista atrás, darse cuenta de lo rápido que pasa el tiempo, llorar un rato, y luego ver cuáles han sido las mejores canciones de este año que termina. Sin más dilación, vamos a la lista:

10. The 1975 - Girls

Todos los años aparece alguna banda nueva en Gran Bretaña que consigue un número uno así, de la nada. Este año le ha tocado a The 1975. Son jóvenes, divertidos, y probablemente no pasarán a la historia.

"Girls" es una canción pegadiza como pocas, con unas juguetonas guitarras y un atractivo videoclip. El sonido es bastante retro, tanto aquí como en el resto del disco de debut, que quizá peque un poco de ser repetitivo. Este tema es, con diferencia, su punto álgido. Muy díficil quitárselo de la cabeza.

3x1: Martin Newell + Aimee Mann + David Byrne

Las cosas han estado un poco difíciles estos dos últimos meses, con exámenes, trabajos y demás. ¡Pero no os preocupéis! Creo que hemos vuelto, o que lo haremos pronto.

No es fácil sentarse a escribir cuando se tienen ocho mil cosas más en la cabeza, pero es bastante fácil escuchar toneladas de música porque, afortunadamente, el hobby que he escogido te deja hacer casi cualquier cosa al mismo tiempo. Con lo cual, escucho como treinta discos por semana, y eso se pierde si no hago crítica. Así que a ello me dispongo, a hacer un 3x1 de discos que he escuchado recientemente y que están bastante bien.

Danza húngara nº 5, Johannes Brahms

Saludos, humanos, semihumanos y demás especies que pueblan el ancho mundo. Hoy Rockrítico está de enhorabuena, y la música en general también. Por aclamación popular (y la de Spartan George, que sólo sabe escuchar cosas buenas) me he puesto el traje, la corbata y los mocasines porque BRAHMS HA LLEGADO A LA CIUDAD. Y con él una de las piezas más sencillas, cortas y magníficas de la historia de la Humanidad. Me estoy refiriendo, por supuesto, a la quinta de sus Danzas Húngaras. Auf. ¿Cómo he tardado tanto en publicar esto? Merezco morir.

María Isabel - No me toques las palmas que me conozco (2004)

Queridos lectores, si lo que queríais hoy era descubrir buena música en nuestro blog, no es vuestro día, desde luego. Tenéis unos cuantos artículos por ahí que explorar, en cualquier caso. Pero los que teníais en mente redescubrir un clásico horrendo de la música popular, ¡estáis de enhorabuena!

L'Arlesiénne, Suite nº 2, Georges Bizet

El veranó terminó, el estudio comenzó y la vida se volvió pedante y soporífera. Pero el calor no cesa, eh. Tenemos unos "agradables" 30 ºC en la capital y la brisa brilla por su ausencia. Y en este completo estado de cuasi locura, ¿qué mejor que traer el análisis de una obra tan loca como genial? 

El señor barbudo y con anteojos que veis en la foto es Georges Bizet (1838-1875), un hombre que en su corta vida halló el éxito en la música tarde y mal gracias a su genial ópera Carmen. Y gracias tuvo que dar. Su legado como músico romántico no puede considerarse muy bueno, pues no creó escuela ni tuvo discípulos a su cargo. A lo largo de su trayectoria siempre se le consideró como una gran promesa que nunca encontraría la senda del triunfo, y muchas de sus obras cayeron en saco roto. Una de ellas fue una pareja de suites de música incidental (hecha para acompañar una obra teatral) de la obra L'Arlésienne (La chica de Arlés en castellanoparlante), del escritor francés Alphonse Daudet. Fue una obra tardía y, al igual que casi todo el resto de su repertorio, olvidada y poco valorada. Y lo cierto es que, sacando conclusiones, no es una música demasiado sorprendente y novedosa. Está hecha puramente para el acompañamiento teatral, como podremos ir observando a lo largo de la reseña. No obstante, sí que podemos encontrar en ella ese talento escondido y tan poco reconocido del compositor parisino, con pasajes cautivadores y muy bellos, aunque lejos de la grandeza de otras obras de su tiempo. Y teniendo que elegir entre las dos suites a la hora de publicar, he escogido la segunda. ¿Por qué? Vamos a averiguarlo.

Las 50 de Quixote: V (10-1)

10: Japan - Quiet Life

Here we are stranded
Somehow it seems the same
Beware!
Here comes the quiet life again.

En fin, volvamos a la carga tras esta pausa. Con esta parte final de la lista, todos los que tenías motivos para quejaros porque esto es demasiado ochentero me vais a odiar más todavía. Así que podéis dejar de leer, os voy adelantando: hay seis de esa década aquí, tres de la anterior y una solamente de este milenio.

Para la otra persona que sigue leyendo, aquí tenemos a Japan. Un grupo realmente innovador, que sentó muchas de las bases del pop de la siguiente década. Este "Quiet Life", aunque no lo parezca en absoluto, es de 1979. El disco en el que está incluido actúa un poco de puente entre los anteriores, más post-punk, y los posteriores, bastante más experimentales. Aquí se atreven con un funk interesante, reforzado con el increíble bajo de Mick Karn, y la voz de David Sylvian, que es como Brian Ferry pero con más pelazo.

Solo con ver la carátula podemos ver que de japoneses no tienen solo el nombre, sino también las pintas y, más adelante, en temas como "Ghosts", ciertas influencias musicales. En cualquier caso, me quedo con este "Quiet Life", su auténtica innovación y su genial ritmo.

Las 50 de Quixote: IV (20-11)

20: Warpaint - Undertow

What's the matter? You hurt yourself?
Opened your eyes and there was someone else?

Esta canción es mágica, y sorprendentemente reciente, para lo que está siendo esta lista. Warpaint es un grupo indie de Los Angeles formado exclusivamente por mujeres. Sus temas son todos bastante buenos, pero si hay alguno que sobresalga, es este "Undertow".

Voces etéreas, a cargo de Emily Kokal y la guitarrista Theresa Wayman, cerca casi del dream pop, si no fuera por ese insistente bombo que nos ata lo suficiente al suelo para que esto no se vaya. A eso le sumamos una guitarra casi funky, sin florituras pero excelente. Todo crece poco a poco, con tranquilidad, hasta que nos encontramos en otro mundo, con ese "running running running from troubles".

Se las apaña para ser potente y sutil al mismo tiempo, cosa complicada. Probablemente uno de los mejores temas de los últimos cinco años.

Las 50 de Quixote: III (30-21)

30: Killing Joke - Love Like Blood

'Til the fearless come and the act is done
A love like blood, a love like blood...

George ya habló de la otra faceta secundaria de Jaz Coleman, la de arreglista orquestal, en su artículo sobre versiones sinfónicas de temas rock. Esta es, sin embargo, su ocupación principal, la de patriarca del rock gótico al frente de Killing Joke, una de las bandas más rompedoras del género.

"Love Like Blood" suena como si The Cure hubieran abandonado toda sensibilidad posible y se dedicaran a reventarte la cara a base de bajos penetrantes y baterías ostentosas: cada golpe de la caja es como un latigazo. Las guitarras son extraordinarias, la voz de Coleman dramática como nunca.

Además, tuvieron a bien de sacar esta versión extendida de casi siete minutos que, si bien en el fondo no aporta nada nuevo, son dos o tres minutos más de grandiosidad, que siempre es algo bueno. 

Elvis Costello and the Imposters @ Teatro-Circo Price, 27/7/2013

Las leyendas son leyendas por algo. Y Elvis Costello es una leyenda, cosa que demostró anoche en Madrid durante dos horas de pasión y energía sin igual. El londinense tiene casi sesenta años... pero quién lo diría tras verle hacer absolutamente de todo sobre el escenario, y fuera de él.

Las 50 de Quixote: II (40-31)

40: Suede - Animal Nitrate

Like his dad, you know that he's had

Animal nitrate in mind...

Suede es otra de esas bandas en las que me costó entrar. No son tan accesibles como el resto de las bandas del britpop, más complejos que Oasis, más extraños que Blur... quizá tan solo Pulp se acerca a esos niveles de extravagancia glam. Y claro, está Brett Anderson que... bueno, muy normal no es.

La clave de la grandiosidad de este tema está claramente en la guitarra de Bernard Butler, que siempre acompañó tan bien a los gorgoritos de Anderson. La influencia de The Smiths se huele a kilómetros, y eso siempre es un punto a favor.

En general, siempre se ha visto a Suede un poco por debajo con respecto al resto de bandas británicas que aparecieron por la época, pero esta canción demuestra hasta qué punto es injusta esa consideración.

Rapsodia sobre un tema de Paganini, 18ª variación, Serguéi Rajmáninov

Buenas y gordas a todos, ¿qué tal el verano? Ya ha pasado un mes y pico desde mi última entrada y ya tocaba volver a darle vida a la sección clásica de Rockrítico. Esta vez, en concreto, enfocándome en un compositor que me ha solicitado muchísimo Spartan George. Y la verdad es que el chico tiene muy buen gusto y no he podido negarme. Así que, con vuestro permiso, nos vestimos de gala para recibir al gran Serguéi Rajmáninov, el virtuoso, el monstruo, el genio ruso que deslumbró a caballo de los siglos XIX y XX y que se convirtió, probablemente, en el último gran compositor romántico de la historia de la música. Sus obras provocan sentimientos tan complejos como maravillosos, a veces de controversia, y le han convertido por méritos propios en uno de los intérpretes del piano más grandes de todos los tiempos. 

3x1: Koma – Héroes del silencio – Sôber

Mi reciente e injustificada ausencia (bueno, injustificada no, tengo excusa) del blog se ha hecho notar por la sencilla razón de que aunque Quixote y mis otros compañeros lo han mantenido muy bien, la música española ha brillado por su ausencia (no, Santa Justa Klan no cuenta, he dicho música). Así que, para paliar esa carencia, vengo hoy con un 3x1 que de paso remienda agujeros pendientes en las peticiones que se me habían hecho hace siglos. A ello.

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Koma – La maldición divina (2011)

Anochecer en Waterloo: Disco vs. Punk

Los finales de los setenta fueron una de las épocas más influyentes en la historia de la música popular, ya que se comenzaron a gestar dos de los géneros que se convirtieron en claves para las generaciones anteriores. Estoy hablando de la música disco y la música punk: estilos completamente opuestos en todos los sentidos. ¿O no?

Las 50 de Quixote: I (50-41)

Pues parece ser se ha largado todo el mundo, ¿no? Que no hombre, que no: Blaze y George están en alguna parte del Levante y, según tengo entendido, Pablo está al otro lado del estrecho, así que es normal que estén algo ausentes. Así que me toca a mí mantener esto vivo. No sé por qué tengo que dar explicaciones, la verdad. Olvidad este párrafo.

El caso es que como estoy un poco solo, pues puedo hacer lo que me venga en gana. Y lo que me viene en gana es hacer un artículo en cinco partes con mis 50 canciones preferidas. Es mi plan de este verano, mucho peor que el de mis compañeros, pero qué le voy a hacer. En fin, aquí empiezo:

Santa Justa Klan - SJK (2005)

Vosotros lo pedisteis. "¡Queremos bazofia", asegurabais. Y yo os escucho. Espero que tras el trauma que os voy a provocar a continuación, pidáis clemencia y supliquéis que jamás volvamos a criticar tales esperpentos como el que hoy nos ocupa.

Porque Telecinco, en su magnánima repugnancia, sacó tres, sí, TRES, "artistas" al mundo a través de su superexitazo "Los Serrano", una serie que en el fondo no estaba mal. Pero, después de que Fran Perea obnubilara al mundo con una inexpresividad digna de Kevin Costner puesto de Valium, y de que El Sueño de Morfeo acabara por ser demasiado fiel a su nombre, los ejecutivos decidieron que España necesitaba algo mucho más grande que todo eso: atraer al público juvenil.

Supertramp - Crime of the Century (1974)

Ahora que las aguas de los exámenes ya se han calmado, vuelvo a tope a criticar aquí. Además, para los no enterados, voy (o vamos) a hacer un broadcasting en Grooveshark cada lunes a las 18:00, poniendo las canciones que me apetezcan y/o me propongáis. El link es este.

Y ya que vuelvo, qué mejor que celebrarlo con uno de mis discos preferidos de todos los tiempos: "Crime of the Century", de Supertramp.

Las mejores oberturas de la historia (2ª parte)

¿Qué tal, pichonas y pichones? Esta semana vengo con las energías cargadas y dispuesto a darle el broche final a la lista de las 12 mejores oberturas o introducciones instrumentales operísiticas de la historia de la música. Para los que no hayáis visto la primera parte del reportaje, aparecieron de forma estelar maestros como Verdi, Offenbach, Mozart o Beethoven, con auténticas genialidades que harían de vuestros tímpanos un pequeño paraíso. Y ahora, para cerrar el ránking, voy a permitirme el lujo de disfrutar, y a vosotros también, de pura magia, de lo mejor de lo mejor, de haceros pasar un feliz rato con Wagner, Mozart o Rossini entre otros. De la mitad para arriba, todo lo que sigue es ETERNO en todas sus letras. Quedan 6 oberturas. Preparaos para flipar.

30 Seconds To Mars – Love, Lust, Faith + Dreams (2013)

Para los que amamos la música, debe de haber pocas cosas más duras que ver cómo se viene abajo, cómo pierde calidad y originalidad, un grupo o un artista a quien admiramos. Si además ese o esos individuos se encuentran entre tus favoritos, la degeneración duele aún más. Y cuando la descubres en un disco que llevas más de dos años anticipando, ya ni te cuento…

Eso es exactamente lo que me pasa a mí con 30 Seconds To Mars y su cuarto álbum, este Love, Lust, Faith + Dreams que publicaron hace menos de una semana en todo el mundo (unos días antes en países como Alemania o Australia). Un álbum que se supone iba a romper con la dinámica creada por su predecesor, de la que ya hablé en aquella crítica triple y reportaje que hice al respecto del grupo hace varios meses, a pesar de los singles que ofrecían la impresión contraria y que han terminado por demostrar que esa ruptura era un sueño, al menos en parte. Pero no nos precipitemos.

Las mejores oberturas de la historia (1ª parte)

Toda ópera que se precie, desde la más gloriosa a la más aborrecible, es introducida generalmente por lo que se conoce como obertura, un preludio exclusivamente instrumental que antecede a la acción propiamente dicha de la narración, la música y los hechos que acontecen en la obra. Hasta el final del Barroco, se puede dividir en dos tipos, italiana (estructura en tres tiempos con la secuencia rápido-lento-rápido) y francesa (al revés, con la secuencia lento-rápido-lento). Posteriormente, la aparición de los grandes genios de la ópera, con Mozart, Rossini y Wagner a la cabeza, llevó a la obertura a pasar a ser un único movimiento que rescataba material que se utilizaría posteriormente en el transcurso de la ópera, llevando a este género introductorio a la cúspide de la fama. Pero los años pasaron y la obertura cayó en saco roto, siendo denostada y abandonada por la práctica totalidad de los compositores.

3x1: Apocalyptica – Scott D. Davis – Nigel Kennedy & Jaz Coleman

El artículo de hoy, como he intentado con los últimos 3x1 que he hecho, gira en torno a un tema bastante delimitado: artistas que haciendo uso únicamente de instrumentos y arreglos clásicos versionan temas míticos de la historia del rock (especialmente el rock duro, en la mayoría de los casos).

Reconozco que tenía cierto miedo de hacerlo, porque aunque son tres discos que a mí me encantan, temía que los considerarais aburridos en cierto modo. Pero al ver la buena acogida que tuvo mi último artículo sobre new age… pues decidí lanzarme. Espero que sean de vuestro agrado los tres artistas (y trabajos) a por los que voy. Ya.

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Apocalyptica – Inquisition Symphony (1998)

Anochecer en Waterloo: Recopilatorios

Uno de los temas que más divide a los melómanos es la apreciación de los álbumes recopilatorios. Los fans más convencionales los defienden como algo necesario, que reúne los mejores temas de una banda (o de un género, o de una década) y evita tener que comprarse varios discos con tal de tener las canciones que queremos; los puristas, por el contrario, opinan que los "grandes éxitos" arrancan a las canciones de su contexto y son simplemente una forma de sacar dinero.

Ambos, en cierto modo, llevan razón. Yo mismo tengo ciertos problemas a la hora de decantarme por una de las dos opciones. Dentro de mi "canon", los noventa y tantos CDs que poseo (son relativamente pocos, lo sé), solo incluyo cuatro recopilatorios: el "Substance" de New Order, el "Singles Going Steady" de Buzzcocks", el "The Sound of The Smiths" y el "The Best of Suede", mientras que tengo apartados en otro montón Greatest Hits de Boston, ABC, Ultravox, The Cars o Kajagoogoo (tuve una infancia difícil). Y todavía no sé exactamente qué hace que considere a unos dignos de mi colección y a otros no.

Queen - A Night at the Opera (1975)

Pasa el tiempo, y todavía no sé del todo qué pensar de Queen. Sí, es una de mis bandas favoritas, pero creo que han sido muy, muy sobrevalorados. Su etapa setentera es indudablemente genial, pero los ochenta... Ahí es donde me pierdo. ¿Perdieron realmente el rumbo? ¿O todo lo contrario? No creo que haya apenas una sola canción de esta década (salvo "Under Pressure") comparable con lo que hicieron antes, y aun así, puede que sean la banda que mejor se adaptó al cambio que supuso la llegada del pop con sintetizadores.

Pero ese no es nuestro tema a tratar hoy. Hicieran lo que hicieran en los ochenta, creo que su trabajo en la anterior década, y más concretamente este "A Night at the Opera" es verdaderamente digno de admiración.

Nocturno en do sostenido menor, Frédéric Chopin

El Romanticismo fue probablemente la etapa más prolífica de la historia de la música en cuanto a la aparición de grandes compositores. Beethoven, Schubert, Brahms, Mendelhson, Schumann, Lizst, Wagner, Berlioz, Verdi... Y también el gran Frédéric Chopin (1810-1849), un auténtico monstruo del piano, tanto en la faceta de compositor como en la de intérprete, que representó fielmente a la figura del virtuoso del instrumento, al igual que su contemporáneo Nicola Paganini (aunque en este caso del violín).

Tim Minchin – Ready For This (2009)

“If you’re a religious person… You might wanna put that out for about five minutes”

Tim Minchin mola. Y vosotros no.

Bueno, a ver, vosotros no sé, porque no os conozco a todos en persona. A Tim tampoco, pero solo con verle ya piensas “este tío esconde algo”. Y no es que lo esconda, es que grita su gracia y su talento a los cuatro vientos, normalmente, desde el momento en que le descubres (aunque en mi caso fue al redescubrirle... Ya le conocía tiempo ha gracias a una querida amiga inglesa de nombre Iona, a la que agradezco que me lo descubriera en primer lugar).

Como digo, solo basta con mirarle. Ojos claros, melena rubia desgreñada. Barba descuidada. Acento australiano, herencia del lugar donde se crió (aunque naciera en Inglaterra). Pies descalzos, siempre. Y muchas, muchas ganas de crear polémica. No solo eso, sino que es una persona tremendamente prolífica, capaz de saltar de la seriedad de un cover del “Hallelujah” de Cohen al registro de músico cómico que tan popular le ha hecho, pasando por musicales como el tremendamente popular Jesucristo Superstar, donde su interpretación de Judas fagocitó sin la menor discusión al resto del reparto (ex-Spice Girl incluida); o Matilda, el Musical, en que la música y las letras las compuso él. Además, no solo es un cantante fabuloso, sino también un pianista con un talento enorme. Su talento como showman podía haberle convertido en una estrella del rock, pero en sus propias palabras esa esperanza acabó cuando “lo jodí, como todo lo demás, por no saber tomármelo en serio”. Todo un genio.

3x1: Rory Gallagher + Thin Lizzy + Gary Moore

Como suelo hacer, he decidido darle a este 3x1 algo de uniformidad. Así que como tenía a Thin Lizzy entre mis peticiones, voy a dedicar tres críticas no muy extensas a tres discos distintos de blues-hard rock irlandés. Eso es ser específico, sí señor (no tanto como mi 3x1 de artistas australianos con gaitas, pero algo).

Rory Gallagher - Top Priority (1979)

Tocata y fuga en Re menor, J.S. Bach

Wagner dijo una vez, sobre Bach: "Es imposible describir la inmensa riqueza de su música, su naturaleza sublime, y su valor universal, comparándola con cualquier otra cosa en el mundo". Y no le faltaba razón. Lo de Johann Sebastian (Juan Sebastián para los amigos) es algo fuera de lo común, música hecha para ser oída, para echarse en el sillón, la cama o el césped y dejarse llevar. Su legado es inconmensurable, con la friolera de más de 1000 obras, entre las que hay de todo: oratorios, conciertos, cantatas, sonatas, suites. Lo que se pueda uno imaginar. Su trabajo se considera la cumbre del periodo Barroco. Muchos piensan, de hecho, que el Barroco llegó a su fin tras la muerte de Bach (1750) porque el buen hombre había exprimido todas las posibilidades del estilo. Tres de sus hijos (Johann Cristian, Carl Philipp Emanuel y Wilhelm Friedmann) fueron también compositores notables, aunque sin alcanzar ni de lejos la fama de su padre y dando muestras de cambio en el estilo, iniciando lo que se conoce como el Preclasicismo, el intermedio anterior a la llegada de Hadyn y Mozart.

3x1: Jean-Michel Jarre – Kitarō – Vangelis

Necesito dormir.

No es una queja ni nada por el estilo, es la constatación de un hecho. Llevo una vida de locos y necesito relajarme, dejar la mente en blanco y dormir un rato. Pero no tengo tiempo, e imagino que muchos de vosotros empezaréis o estaréis ya con exámenes (como mis compañeros de blog y yo), así que tampoco lo tendréis. Pero por intentarlo nada se pierde, así que desvirtuando el blog de forma ya bastante definitiva, entramos ahora en un terreno que apenas habíamos tocado hasta el momento: el rock electrónico. New age, y esas cosas. A ello vamos, con tres breves sugerencias (no me enrollaré mucho) que espero que os gusten.

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Jean-Michel Jarre – Chronologie (1993)

Iron Maiden - Seventh Son of a Seventh Son (1988)

Seven deadly sins
Seven ways to win
Seven holy paths to hell
and your trip begins.

Seven downhill slopes
Seven bloody hopes
Seven are your burning fires
Seven your desires...

Llevamos como un año con esta crítica pendiente. Siendo un clásico del metal, y George un fanático del metal, no me parecía apropiado hacerla yo. Con la incorporación de otro heavy como es Blaze, menos todavía. Pero después de muchas negociaciones con nuestro querido espartano, creo que ya estoy en posición para atacar a los Maiden.

La batalla del pelmazo: Satriani vs Vai vs Malmsteen

Dejemos una cosa clara. Estos tres ases del Shred, maravillosos guitarristas todos ellos, tienen un dominio del instrumento increíble, al que jamás podré aspirar. Técnica desbordante, velocidad, destreza, son maestros de las seis cuerdas…

Pero me aburren.

Por tanto, van a ser enfrentados en un duelo (ensayístico) a muerte, a ver quién me aburre más. Asumo que seré violado, mutilado y destripado, no necesariamente en ese orden, por legiones de guitarristas furiosos por escribir este artículo. Sin embargo, procedamos.

Pequeña Serenata Nocturna, W. A. Mozart

Ha pasado una semana desde que subí mi primera entrada a este blog y no ha tardado mucho tiempo en llamar a mi puerta la necesidad de publicar otra vez. Si os gustó la Zarabanda de Händel, hoy tenemos ante nosotros una obra que habréis tarareado, escuchado y fantaseado hasta en la sopa. Es lo que tiene la música de Mozart, el compositor más grande (en mi humilde opinión) de todos los tiempos. Junto a Hadyn, se convirtió en el gran exponente del Clasicismo, el periodo musical que sucedió al Barroco, donde la inventiva y la elegancia se daban la mano. Genio y figura, con más de 600 obras escritas en una vida demasiado corta (35 años), ha dejado un legado musical difícilmente superable, y muchas de sus piezas han cambiado por completo la historia de la música. Me estoy reservando para hacer un análisis de su inmortal Réquiem, pero tranquilos, que todo llegará. Algo de tal calibre se merece la mejor crítica y descripción posibles, y eso requiere un tiempo que mi doble grado no me permite. Mientras tanto, nos podemos deleitar con su Pequeña Serenata Nocturna o Serenata nº 13, obra que, si bien no ha marcado un punto de inflexión en el Clasicismo, sí que ha alcanzado una notable fama y singularidad y se ha convertido en una de las famosas de Mozart, sin estar ni mucho menos entre las mejores de su repertorio, gracias al inmortal estribillo de su primer movimiento. Vamos a echarle un vistazo.

Rush - Moving Pictures (1981)

La semana pasada, Rush por fin fueron incluidos en el Hall of Fame del Rock and Roll. Año tras año, las listas de nominados aparecían y no se veía al trío canadiense, lo que llevó a sus fans y al propio grupo a calificar a la institución de "una broma" y lindezas similares. Pero la noche acabó llegando, y Rush acabó tocando con Foo Fighters y pasándolo bien y, admitiendo, en palabras de Neil Peart, su bateria, que era una "cosa importante".

Antes de 1981, Rush había ofrecido unas cuantas obras de verdadero interés: "2112" (1976), sin ir más lejos, es uno de sus mejores álbumes, y por supuesto está "Permanent Waves", inmediatamente anterior a este "Moving Pictures" y que ya muestra que Rush podía hacer perfectamente la transición de rock duro progresivo a... lo mismo pero asombrosamente digerible.

Zarabanda, Georg Friedrich Händel

Buenos y soleados días, seguidores de Rockrítico. Me presento como Pablo, admirador del tinto, la Historia y, como no, de la música. Hace algunas fechas remotas Spartan George me picó con la idea de participar en el mejor blog de crítica musical que existe y, de paso, en crear una nueva sección. Una sección de... ¿música clásica? Sí, bueno, este blog en principio debía centrarse sólo en el género rock, pero teniendo en cuenta que se han analizado discos de Shakira o Adele... No creo que importe, ¿no? Es decir, la música clásica es el comienzo de todo. De todo lo bueno, por supuesto. El inicio de algo maravilloso y eterno, que abarca una etapa de genios entre los que destacan en primera plana Mozart y Beethoven, pero la lista de grandes compositores y obras que se puede hacer es, como en el rock, enorme. E incluso los compositores más denostados y que pasaron desapercibidos siempre tienen algo digno de mención. También hay que destacar a los diferentes instrumentos, con los que se han creado maravillas en forma de conciertos para solista: violín, violonchelo, piano, trompeta, órgano, clarinete, flauta...

3x1: The Lumineers – Kiss The Anus Of A Black Cat – Mumford & Sons

¡Ho Hey! ¡He vuelto! ¡Otra vez! Ahora, en principio, para quedarme. Como no os han dicho nada mis compañeros, os contaré brevemente que tenemos un nuevo fichaje (ya se presentará) y un cierto planning ahora en el blog, y que intentaremos publicar más asiduamente… En mi caso, no tanto como me gustaría, porque tengo que mantener también Yo Me Bebo Tu Batido, y La Pluma Rota, y estoy intentando conseguirme una vida. Pero haré lo que pueda por seguir aquí.

Comenzaré mi retorno jedi con tres discos muy interesantes: dos de ellos elegidos por mi colega Andrés; y otro (el más raro, como podréis suponer), aconsejado por el señor Quixote. A ello.

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The Lumineers – The Lumineers (2012)

1991: El Grunge (2x1 Pearl Jam + Nirvana)

1991: un año dorado para la música. Pocas veces se han juntado tal cantidad de discos clásicos en un mismo año. Es decir, pocas veces se ha dado tan buena música al mismo tiempo. A finales de los 60, pero eso es otra liga. Este es el año del Grunge, un movimiento que resultó ser necesario.

¿Y eso tío? Pero si la música de los 80 molaba… Sí, pero hasta cierto punto. La música se había exagerado hasta límites insospechados, incluso absurdos, por la influencia de la MTV. Eran los tiempos del heavy de cardados, de Rick Astley y de los Depeche Mode felices. Algo espantoso. Ese modelo de música necesitaba algo opuesto que le soltara una patada en el culo.

La patada llegó en 1991: por un lado, el Thrash Metal se coló en la escena mainstream, gracias al Black Album de Metallica, que permitió el avance en tropel de grupos de Metal bastante cafre hacia el gran público como Pantera o Sepultura; por el otro lado, un contingente de grupos de Seattle convulsionó el Rock and Roll, era rock del de toda la vida, algunas cosas más punk, otras más metaleras, pero con una fuerza nihilista imparable. Sí señores, esto es el Grunge.

Yes - The Yes Album (1971)

Iba a reseñar el "Little Earthquakes" de Tori Amos, pero teniendo en cuenta que Blaze y SG le tienen tanto o más aprecio que yo, he decidido pasar de él de momento, y ya elegiremos quién lo critica. Así que pasamos directamente a Yes.

Yes es mi grupo preferido de rock progresivo con diferencia. Los únicos que se les acercan son Pink Floyd, pero básicamente por "The Wall", que es progresivo sobre todo en concepto, y menos musicalmente. Además, cuando uno piensa en el sonido puro de este género, en órganos grandilocuentes y patrones de batería imposibles, tiene que pensar más en Yes que en Floyd, porque estos últimos tienen un sonido propio bastante especial que no se adecúa a estos "estándares," por llamarlos de alguna manera.

3x1: Between the Buried and Me + District 97 + KBB

Uno de los artículos más visitados de la historia del blog, y también de los más comentados, es "Las 10 mejores canciones épicas del rock progresivo". Estoy bastante orgulloso de haberlo escrito porque en su mayor parte ha atraído discusiones interesantes y crítica constructiva (algún troll ha aparecido, pero es ley de vida). Y en el chat, hace poco, un lector que llegó a Rockrítico atraído por este artículo en concreto lamentó la falta de atención a este género más allá de esas diez canciones. Como tiene parte de razón, he decidido coger tres de sus múltiples sugerencias y escucharlas con atención.

Y como bonus, en las próximas semanas sacaré artículos de Rush y Yes, así que el rock progresivo va a ser parte de este blog durante un tiempo.

Crónica de un guitarrista saturado

Estoy hasta arriba. Casi no puedo más. La carrera se está poniendo exigente (un doble grado no es una ingeniería, pero sí es exigente), estoy en tres bandas distintas, en proceso de grabación de la maqueta de Deadline, con un montón de proyectos paralelos, más personales, y… este blog. Este pobre blog, en el que llevo casi dos meses sin publicar.

Y no me parece justo.

Josh Rouse - 1972 (2003)

Ya he hablado de Josh Rouse: todavía recuerdo la maravillosa experiencia de verle en directo en la Sala El Sol, y tras ella, conseguí un par de sus discos. Más en concreto el perfecto "Nashville" y el también genial, aunque menos, "1972", que es el que nos concierne.

Cuando empezó, Rouse era básicamente un cantautor de folk pop pegadizo con unos cuantos temas sólidos a sus espaldas, pero poco más. Fue aquí cuando empezó a explorar territorios que le llevaron a componer alguna de sus canciones más memorables.

3x1: Platero y Tú – Fito & Fitipaldis – Extrechinato y Tú

¡He vuelto! Sí, ya sé que estoy temporalmente retirado, pero aún así prometí pasarme por aquí de cuando en cuando, y mi ausencia ha sido total durante casi dos meses, algo imperdonable por mi parte. Así que para resarcirme, traigo hoy un 3x1 con algún disco que me habían pedido o que tenía ganas de criticar desde hace tiempo; es más, en la entrada de hoy los tres grupos están más estrechamente relacionados que nunca, y son tres grupos que sé que a muchos harán babear de emoción.

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Platero y Tú – Hay Poco Rock n’ Roll (1994)

“Somos los Platero, pa’ lo bueno y pa’ lo malo / esto es Rock n’ Roll y no somos americanos”

Fleetwood Mac - Rumours (1977)

Fleetwood Mac es una de las bandas más cambiantes de la historia del rock. Tras una primera etapa blues, reverenciada actualmente, su guitarrista y genio principal, Peter Green, se marchó y el grupo pasó por un período de transición muy olvidable, con guitarristas y vocalistas que entraban y salían (cuatro en cinco años). Finalmente, llegaron a escena Lindsey Buckingham y Stevie Nicks, pareja por aquella época.

Aprovecho este párrafo para hacer un inciso: traductores del mundo a los que se ha encargado pasar al español algo que tenga que ver con Fleetwood Mac: Stevie es mujer, Lindsey hombre. No sería la primera vez que leo un texto donde les cambian de género, y aunque lo entiendo, porque es cierto que son ambiguos, eso no quita que dichos traductores sean unos trabajadores incompetentes que no tienen ni puñetera idea del tema que están tratando.

The Blue Nile - A Walk Across the Rooftops (1984)

¡Más de veinte días sin publicar nada! ¿A qué se debe? No voy a poner excusas: en mi caso, a la dejadez. Blaze ha tenido sus líos y Spartan George tiene que ser fuerte en su "amenaza" de abandonar el mundo del blog durante un tiempo, así que tampoco han publicado. Pero bueno, más vale tarde que nunca.

Si hay un álbum apropiado para pasear una noche lluviosa de otoño por el centro de una gran ciudad... es este. Siete temas, todos ellos con una sorprendente abundancia de la palabra "love", y un estilo melancólico, digerible, y difícil de etiquetar. Al principio estaba de acuerdo con los que lo tildaban de "soul electrónico", pero no. Esto es "synth pop jazzístico", si acaso. De hecho, la estructura de siete canciones relativamente largas es muy jazz...

ABC - The Lexicon of Love (1982)

Los Reyes han estado magnánimos conmigo este año, y me han concedido lo que siempre he querido: un mogollón de discos. Entre diciembre y enero han caído un total de catorce, nueve de ellos traídos por Sus Majestades, de los que criticaré seis (porque son los únicos que no he criticado y que además no son recopilatorios).

Empezamos por el principio de mi colección, alfabéticamente catalogada. "The Lexicon of Love", de los británicos ABC.

Adele - 21 (2011)

Año 2011. El mundo de la música se presentaba bastante apocalíptico, con productos artificiales dominando la listas y fundiendo los cerebros de las quinceañeras a base de Autotune. Yo estaba refugiado en mi Rock and Roll, agazapado bajo la incesante lluvia (de mierda) en mi refugio guitarrero y agarrado al Black Holes and Revelations de Muse como última esperanza de música actual decente. Y de eso que, entre Beyoncé y el “machote” de Justin Bieber, suena Rolling in the Deep en la radio. “Santo Dios, ¿qué demonios es esto, y cómo ha llegado aquí?” pienso, incrédulo. ¿Queda algo de esperanza para la música, después de todo?

Rockrítico: el podcast (5)

Ya está aquí al fin nuestro segundo videopodcast, en YouTube. Como la otra vez lo subiremos a Dailymotion en caso de problemas (que los habrá).

Secciones, vergüenza ajena, cosas ridículas y música de por medio. Nos lo hemos currado más que el anterior, pero tampoco os esperéis una gran regularidad en este aspecto.

Tenemos por ahí, pendiente, una breve tertulia sobre el último disco de Muse que también subiremos en su momento, por cierto, básicamente por no hacerle el feo a los que participaron.

AQUÍ EL LINK!!!

Quixote

Las 5 de Spartan George: parodias que deberían pasar a la historia

Vuelvo con otra lista (con eso de que me voy a ir últimamente estoy muy activo… y en hacer listas se tarda poco, sinceramente), que llevaba tiempo rumiando, y que al final me he decidido a traeros. En un principio iban a ser covers paródicos de cualquier tipo, pero como eso ampliaba mucho el horizonte de la lista (y gente como Weird Al Yankovic merecería aparecer un par de veces o tres en la lista), al final he decidido reducirlo a versiones en español de temas conocidos en inglés (con una única salvedad); quizás no sean los mejores, pero sí algunos de mis favoritos. Conocer los vuestros será un auténtico placer.

Y por cierto, ya estamos en 2013. Esperemos que este año sea aún mejor que el anterior para el blog, gracias por acompañarnos.

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5 – Un pingüino en mi ascensor – Me han sodomizao

La primera vez que escuché este tema me eché a reír como un maníaco, y aún me sucede cada vez que escucho alguno de los versos de esta canción. Imagino que a Status Quo no le hará demasiada gracia ver su clásico convertido en algo tan basto y soez (o sí, vete tú a saber), pero a los que nos gusta el humor bestia e irreverente nos supone una auténtica delicia. Hay versos que no tienen precio, aunque el resultado general tampoco sea una genialidad, y tenga muchos puntos mejorables.